Dès l’entrée de la galerie, une série de photographies représentant des galaxies indique le thème de l’exposition : « poussières d’étoiles ». Fonds noirs, impression sur plaques d’aluminium, formats proches d’un carnet de croquis, teintes blanches et métalliques des sujets sur le fond opaque, contours évanescents pour des dispersions de nuages étoilés ; chaque image suggère au spectateur un voyage intérieur et céleste à la fois. Partout ailleurs dans la galerie, la même promesse de décollage produit les mêmes effets de transports oniriques, les murs de la galerie devenue capsule spatiale font place à des hublots à travers lesquels les œuvres, comme des météorites, croisent des planètes imaginaires dans le noir de nuits métaphoriques.

Piquée de curiosité pour son thème de recherche, Sandrine Elberg rejoue l’image de l’information documentaire par une scénarisation qui emprunte ses décors au monde scientifique autant qu’à celui d’apprentis explorateurs. Chaque image, deux fois réinterprétée et son rendu élargi jusqu’à paraître dessiné, entraîne les visiteurs dans des dérives aussi paradoxales que poétiques. Ce ne sont alors plus des photographies qui sont exposées mais des compositions plastiques dont tous les éléments  réalistes ou recréés maillent ensemble. Le grain des étoiles et l’instant de la prise de vue étroitement associés font place au microcosme d’un champ de poussières et aux touches répétées d’une œuvre pointilliste ; les vues s’inversent en passant du négatif au positif, l’intercession visuelle de la teinte aluminium des fonds rend chaque image aussi naturelle que décalée. En même temps, un quadrilogue virtuel semble subtilement s’instaurer à propos du photographique ; Sandrine Elberg échangerait avec Walter Benjamin, Rosalind Krauss et Roland Barthes¹ en partant de ce qui fait sémantiquement signe ou ce qui a esthétiquement valeur d’index… Voyages interstellaires, intergalactiques, cosmogoniques, spatiaux ou simplement extraterrestres, voire extrasensoriels, on ne sait alors à partir de quels échos l’artiste construit ses rêves d’échappées. Peut être tous ? Faut-il absolument le savoir ? A t-elle voulu que l’espace de la galerie devienne simultanément un observatoire et une demeure-livre de voyages en exposant à la fois des œuvres photographiques, des dessins extravagants de spationautes et des matériels d’astrophysique ?

Certaines œuvres semblent aussi être ironiquement encadrées comme des portraits tandis que d’autres sont apparentées à un inventaire scientifique. Situé au fond de la galerie, un gigantesque photogramme évoque une vaste fresque pariétale illustrant un ciel imaginaire où par multitudes des planètes et des étoiles de toutes dimensions émergent et flottent. Fonds noirs, reflets métalliques d’une lumière parfois crue, silhouettes allusives, les photographies plus inventées que reproduites de Sandrine Elberg font interférer le réel avec un théâtre démesurément intérieur. Chaque œuvre participe d’une vision parfois plus métaphysique que naturelle. En un instant, juste au moment du clic de la prise de vue, au rappel de « l’imparfait de l’objectif »², les poussières d’étoiles s’agrègent et se dispersent pour redevenir la nuit étoilée de Van Gogh, un rêve de Munch, un décollage et une fantaisie de Man Ray, une transfiguration d’André Masson, un théâtre apocalyptique de Professeur Tournesol. En permanence, Sandrine Elberg entreprend avec humour et poésie de partager la découverte de ses paysages cosmogoniques.

1/ Walter Benjamin, L’aura photograhique in L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique ; Rolalind Krauss, Notes sur l’index ; Roland Barthes, La chambre claire. 2/ Robert Doisneau, L’imparfait de l’objectif. 

Galerie Takonoma, un ensemble narratif et intimiste, artistiquement un peu désuet et plus maniéré que plastiquement réfléchi, mais agréable. Plutôt beau même quand les effets de compositions souvent faciles tombent et qu’avec seulement trois images d’une maison isolée plantée dans un paysage aux accents métaphysiques évoquent silencieusement Hopper ou Hammershoi. L’artiste peint alors avec force une somme uniquement picturale. Et ça décolle.

Juste plus loin, Galerie ALB, de la technique et surtout un système d’expression visuelle fermé malgré son sujet : bug sur des jeux électroniques. C’est sans imagination critique, sans créativité formelle et fade.

Quelques pas ensuite, en traversant, Galerie Virginie Louvet, « Spendor Solis » par Anne Gaiss. Des images pouvant faire songer à des tapis végétaux ou des amas d’ailes dans une manière d’artisanat d’excellence. C’est joli et pas surprenant de créa. Camille Pissarro détestait le joli, lui préférant confusément le beau. Quelque soient les échos esthétiques qu’il pouvait entendre du terme, il songeait dans tous les cas à de l’incarnation et de la profondeur. Et là, c’est très mince.

Galerie Papillon, « Elsa Sahal des origines à nos jours ». Une installation et un environnement polychrome composé de turgescences « cacturesques » en céramique. Les pousses joyeusement érotiques et aussi imaginaires que drôlement documentées décrivent une nature élégiaque dans un jardin d’éden. « En accord » avec l’artiste, le commissaire de l’expo a conçu leur installation au milieu d’une étendue noire pouvant évoquer une sorte de nuit liquide. Est-ce pour les accompagner  d’un songe sous-marin ? S’agit-il d’une libre inspiration à partir d’une peinture d’Odilon Redon ou d’un livre qu’aurait conçu sans l’écrire Lewis Caroll ? Bien qu’apparemment destinée à rassembler symboliquement les œuvres, la scénarisation à mon sens excessive n’empêche pas les œuvres d’être joyeusement un art bien débridé.

Galerie Antony Roth, un street artiste se prend pour un peintre sur toile et ne fait rien. Il y a moins superficiel, plus sérieux et autrement créatif avec un artiste lui aussi issu du « street », mais engagé et critique comme Guillaume Mathivet, par exemple. Je crois définitivement qu’on ne fait pas de la peinture, on fait de la recherche en peinture.

Galerie Gaillard, Daniel Pommereulle. Son travail rarement montré ; et soudain, une belle réunion de dessins libres et de dessins de projets, de collages et de montages, de sculptures et d’assemblages… En imbriquant à la fois toutes les pratiques suggestives du surréalisme de Breton, du minimalisme personnel de Giacometti ou de la dérive situ et des techniques que plus tard, certains artistes déclineront à travers l’Arte Povera, les pratiques du montage qu’apprécie Pommereulle vont, viennent ou fusionnent au point que la moindre production est poétiquement déjà une œuvre. L’expo rappelle la profondeur intérieure de survols artistiques où l’artiste ouvrant constamment son regard découvre autant d’architectures que de paysages à humaniser. C’est d’une densité aussi belle qu’impressionnante de sobriété.

Pierre Molinier, même endroit. Corporel, burlesque, provoquant parfois, suggestif : régulièrement, irrespectueux : toujours, surtout libre et aussi finement élaboré que détaché techniquement. On aime ou on est gêné. Sérieusement, c’est très beau.

Plus loin, rue du perche, « L’astrophile » par Laurent Millet à la Galerie particulière. C’est poétique/suggestif et en ce sens plutôt littéraire que visuel, très esthétisant mais plus fabriqué que créatif en somme. Pas surprenant non plus comme production. Peu dérangeant.

Galerie Richard,  « Densité » par Laurence Papouin. Peintures ? Sculptures ? Objets plastiques indéterminés ? Paysages ou suggestions d’architectures en écho avec les audaces de Frank Gerry ? L’artiste semble vouloir défier l’objet physique du tableau en le soumettant aux gestes ou aux mouvements qui l’engagent. On se rappelle certaines pratiques par ailleurs largement labourées d’artistes de Support-Surface, notamment quand les titres ne font qu’énoncer le travail effectué. La liberté créative, le détachement poétique et souvent humoristique de l’artiste au service de ses œuvres marquent le pas quand les titres affadissent les élans qui les ont inspirés. Toujours se souvenir des façons dont Magritte trouvait les titres de ses tableaux.

Galerie Planète Rouge, « Matière noire, partitions étendues » rue Duvivier à Paris 7^e. Meryll Ampe, Magalie Sanheira, Matthieu Crimersmois, Anne Flore Cabanis, Frédéric Mattevet, Célio Paillard, 6 artistes sonores et plastiques au service d’œuvres et de créations prioritairement expérimentales exposent leurs productions simultanément dessinées et musicales ou vidéo. Oscillant entre partitions graphiques et partitions sonores improvisées, les démarches pointent des recherches chaque fois magmatiques. Inversement, quand des dessins ne sont pas directement associés à un écho sonore, ils éveillent visuellement des notes d’écoutes. De sorte qu’en accueillant un art d’aventures ou in process, la galerie se teinte en miroir d’une vivacité rapprochée des artistes exposés. Avec cette exposition et malgré son écart géographique du circuit parisien conventionnel des galeries d’art contemporain, la galerie créée et animée par un couple de jeunes graphistes risque avec succès une image d’innovation devenue rare.¹

1/ La galerie La Voute (Paris 12^e) compte parmi les lieux prenant des risques semblables.

Unwillinness – Réticence – ou l’histoire mystique de « Marie Madeleine ». Gabrielle Wambaugh a voulu imaginer des effigies de la Sainte par le volume peint ou/et symboliquement coloré ou dans la matière brute. Des sculptures faites d’assemblages repris par variation, l’installation scénarisée d’objets mis au sol ou disposés sur des présentoirs variés font figures d’expressions. L’artiste entend reprendre ce qui signe l’image hagiographique de la Sainte. C’est esthétique vs esthétisant, plastiquement assumé par rapport aux champs divers de l’objet peint en volume.

Tout fait cependant plus image que sculpture dans ces productions où n’existe l’espace qu’à cause de leur 3D, ces produits, plutôt, qui nulle part n’interrogent le plein et son contraire. Quand un assemblage tente d’activer une narration symbolique par une scénarisation et cherche un décollage « créatif », sa présentation marque le pas face aux contraintes du socle et oublie un sens que Marcel Duchamp lui-même a estimé inéluctable. Ainsi, que ce soit sur le sol ou sur un quelconque monticule, qu’il s’agisse d’une table ou qu’elle soit disposée au bord d’un mur, quelque chose manque qui place les œuvres et les inclut par jaillissement ou enfoncement dans leur monde plastique et les réduit à des objets seuls. En couleur ou dans leur seule matière d’origine, les œuvres réagissent par ailleurs faiblement à la dialectique allusive des trois dimensions d’une image dess(e)inée en perspective. En donnant in fine le sentiment d’hésiter constamment sur les forces paradoxales d’un socle effectif ou imaginaire ; chaque production manque son statut et se réduit in fine à un bricolage « précieux ».

« Drawing Now 2018 » Impression générale que pour chaque galeriste, collectionner procède de l’édification d’un cabinet de curiosité personnel ; le dessin précieux comme un ouvrage décoratif et théâtral. Peu d’artistes de l’année précédente, du "sang" neuf, que neuf même, inconnu comme le « cheptel » nouveau au casting d’un radio crochet. Difficile de ne pas y voir une volonté de regarnir les linéaires d'un supermarché de quartier… Drawing Now ressemble à une épicerie aux apparences bio et dont l'emballage sert de garantie créative. L’audace et la recherche sont partout loin d’être au rendez vous, quand bien même une section « Galeries vs Process » a pour tache de le faire croire. Rien d’expérimental donc, ou si peu, surtout du déjà vu, mâché et pré-mâché, prématurément affadie par la banalité d'approches seulement "technicistes", parfois prématurément calcifiée.

Une surprise et une découverte de taille tout de même Galerie RCM. La série d’œuvres stupéfiantes de beauté d’un artiste méconnu Maciej Haufa. Fasciné par l’œuvre de Malevitch, l’artiste dérive à partir du concept du carré sur fond noir ou blanc pour le requestionner dans tous les sens théorique, formel et visuel, iconologique, décoratif et personnel.

Tout paraît simple, mais tout est subjuguant de sobriété et de complexité. L’artiste a découpé des sortes de passe-partout de forme carrée dans des supports de taille, d’épaisseur et d’aspect décoratif divers. Pn reconnait des intérieurs nabis, des collages pop, des effets de graffitis et de murs délabrés, aucun fond n'est indifférent. Chaque proposition de fenêtre découpée forme chaque fois le creux d'un sens à partir duquel l’artiste fait signe qu'il s'en préoccupe à la fois comme thème et comme symbole du regard, du travail plastique et naturellement de l’œuvre comme objet. Maciej Haufa mêle ou emmêle donc les codes visuels sur les fenêtres et le « mur », dégagent des principes de compositions allusives dans toutes les directions sensibles, formelles, décoratives, humoristiques, symboliques. Il y ajoute au passage avec humour des clins d’œil rétrospectifs à Matisse, Vuillard ou Bonnard, la peinture abstraite ou les collages dada…

Malévitch désidéologisé, artistiquement retourné vers son plaisir intérieur de peindre sans œillère des œuvres par ailleurs questionnantes… C’est malin et sagace, piquant d'ironie, déjanté et irrespectueux à souhait, d’une intimité directe, d’une culture personnelle et d’une créativité artistique admirables. C'est, en bref, d'une beauté renversante.

« Il est question de sentiments autant que de corps — dans chacune de mes œuvres, il est question de mutation, de passage et de temps — l’apparition, comme reconstitution d’un tout, et ce tout devient visible… » Edi Dubien.

J’ai apprécié le travail d’autofiction à la fois réaliste et fortement symbolique d’Edi Dubien dans une exposition de groupe sur l’idée d’un travail plastique étendu sur le thème du Cadre. Une large palette de champs d’intervention lexicale, sémantique et plastique montrait une création qui sans être nouvelle n’en était pas moins finement débridée. Cette fois exclusive, l’exposition « Apparitions sentimentales » de l’artiste ne dément pas l’impression première et même la renforce. Il est question de narrations et d’évocations de soi à travers les réalités biographiques traitées par l’autofiction, autrement dit de faits autant que de suppositions et de perspectives, lesquelles dans tous les cas d’échanges avec le spectateur invite à reconnaître un engagement artistique qui ne cache pas son fond.

Scénographié en mêlant des dessins régulièrement illustratifs,  des volumes hybrides et des peintures de facture classique, l’ensemble de l’exposition est d’un souffle rare, plastiquement précis et percutant dans ses allusions. Il peut s’agir d’un tableau unique, plus souvent c’est un assortiment d’images esthétiquement diverses d’origine photographique ou graphique, picturale ou littéraire. Les référents sont volontairement complexes, simultanément descriptifs au premier degré et visiblement à fonds multiples, comme des calques superposés créent du mystère et permettent de concilier les surfaces et les écrans, de faire intervenir des reflets théâtralement coupés de leurs sources. Le dessin d’un crâne tantôt mis en scène comme dans la légende de Guillaume Tell ou doublé en miroir à côté d’une figure d’enfant de même taille rappellent un vide d’enfance inoubliable ; l’emploi de l’effacement sous toutes les formes de la biffure, du retrait et du flou, du remplacement « idiot comme un assemblage surréaliste », l’illustration par le rejet métaphorique d’un vomissement reconstitue l’effroi rétrospectif d’un passé qui décidément ne passe pas. Et puis il y a les autres œuvres présentes, des sculptures et des semblants d’installations, en fait, plutôt des présentions in situ. Et ce sont encore des questionnements sur la nature, l’animalité et l’humanité qu’on suppose distincts mais que l’artiste voit « embourbés », interrogations qui par oxymores suintent d’indicibles peines. Sur les murs ou posées au sol, les œuvres renvoient à un discours identitaire entrouvert sur les aventures de ses périphéries. Il faut assumer les échos manifestement autobiographiques de ce travail sensible aux creux d’hypothèses clairement mémorielles. Il faut suivre les manières qu’a l’artiste de tisser autant ses vérités que ses songes, pour susciter rétrospectivement autant de questions que de proximités.

Avec le principe du cadre, ses formes et leurs histoires de fenêtres, d’aperçus ou de portages de l’œil, Edi Dubien se mêle d’organiser subjectivement et dans tous les sens le partage de tout. Bien que figuratifs et illustratifs, ses codes sont fondés sur des positions à la fois troubles et aventureuses de chaque travail production. Bien que transgressées, on note ainsi que les origines photographiques ou manufacturières subsistent, qu’en d’autres termes leurs présences restent agissantes. Que faire alors de la plasticité de la toile, la feuille ou de n’importe quel support ? Quel faire du trait, de la couleur et des effets visuels ? Où emmener le thème de l’autoportrait ou de l’autobiographie visuelle ? Quelles mises en œuvres peuvent convenir au milieu des toiles et des dessins sans perdre en controverse sur la nature du travail plastique ? Comment faut-il « réenvisager » la figure historique du portrait peint vs « l’autoportrait de l’artiste », sa valeur documentaire et le risque que sa transformation picturale deviennent un fardeau ?

Sur ce thème et à travers toute sa production Edi Dubien semble vouloir rétablir des rapprochements, dénouer des fils pour les reconnecter, « reinitialiser des data », son itinéraire d’artiste plaide allusivement pour une naissance récente. Impacté par un style à la fois narratif, illustratif et technique proche de celui de Françoise Petrovitch et Cloé Julien, son travail s’affirme cependant et pour des raisons assurément personnelles à contrario plus littéral, il rend dans chaque œuvre son message d’artiste plus raconté qu’imagé, esthétiquement moins innovant qu’efficace. Sa  conception de la plasticité bute sur ce qu’elle dénote, un artiste qui connaît son affaire et qui la communique plastiquement avec une sensibilité humaine authentique. Les œuvres sont dès lors laissées aux flottements comme aux fléchissements simultanés du goût et la raison.

On attend qu’un spectacle de Jean Luc Verna sera surprenant et provoquant. L’artiste est réputé dessinateur, peintre, musicien « imprécis » à la fois rocker, punk, techno, photographe, retoucheur d’images, performeur et danseur, artiste polymorphe et transdisciplinaire, ­ en gros : pluriel, indifféremment metteur en scène transgressif, écrivain, icône transgenre, amateur de cabaret burlesque, de cinéma et de bandes dessinées, d’histoire de l’art, admirateur de la peinture maniériste et de sculpture anatomique etc. On peut légitimement s’attendre à des interventions artistiquement musclées, dérangeantes, déjantées, irrévérencieuses, « bouleversifiantes », résonnantes, excessives, foutraques, humoristiques, sauvages, dramatiques, poétiques, tragicomiques, symboliquement élégiaques, sensuelles et érotiques, imprévisibles, aventureuses, goguenardes, cocasses, ironiques, antiques, etc. La liste n’est pas exhaustive, l’ordre comme les reliefs des mots sont libres.

« Uccello, Uccellacci & the birds », présenté à Beaubourg ne pouvait donc que confirmer l’impression que m’a laissée son exposition réalisée au Mac Val en 2010.

Le spectacle dont la composition apparaît d’une banalité formelle et d’une pauvreté performative hallucinante est borné semble t-il, par les poncifs de la conception, uniquement narcissique de son créateur-concepteur. De sorte qu’à défaut d’être surpris par le désordre inventif et revendicatif attendu ou potentiel, ou à défaut de conserver la part d’atmosphère « cabaret érotique » du spectacle ou de retenir l’intérêt d’une scène de genre supposée ironiquement rappeler certaine peinture pompier ; de sorte qu’à défaut encore d’admirer le jeu des participants mimant plus qu’ils dansent (mal), voire qu’ils s’essaient d’incarner (par le mime) des corps sculptés antiques ou reproduire des scènes de bacchanales, on se fait chier. 

Située dans le 13^e  rue Jean Sébastien Bach, la galerie est animée par l’association bien nommée Openbach*. Le local étroit et tout en longueur semble peu propice à la présentation d’œuvres d’art actuel. Est ce pour démentir par principe cette difficulté que Cécile Hadj-Hassan et Félix Rodriguez-Sol ont ensemble fait le pari d’y présenter ­­— avec talent — un échantillon de leurs recherches artistiques ? Le vernissage de la manifestation : Ce qu’on a sous les yeux se rend invisible, dont la durée n’est malheureusement que de quatre jours a eu lieu ce mercredi 8 mars. C’est peu dire qu’il faut y aller voir, car même si certaines œuvres sont « jeunes », le pari est dans son ensemble bien relevé.

Tous les deux travaillent sur le thème de la mémoire, espace d’errances même autant que d’impossibles voyages. Félix Rodriguez-Sol présente trois œuvres, une installation intitulée « Aux pieds d’argiles » et de grands dessins en noir et blanc intitulés « Les vies immobiles » et une œuvre « Dos » à oublier. L’installation « Aux pieds d’argiles » est constituée par la dispersion sur le sol de pieds nus (d’enfant ?) moulés dans du caoutchouc couleur chair. Légèrement usés et laissés creux dans leur peau fragile, ils sont chacun en partie remplis de chutes de papiers. Et de cette modeste expression semble resurgir un/des cheminements intimes. Difficile de réaliser une installation aussi suggestive et aussi impressionnante de poésie sur la mémoire humaine avec moyens aussi simples. C’est très  beau et surprenant d’ouvertures fictionnelles.

Réalisés sur papier à partir de photographies décalquées à l’ammoniac, les dessins sourdent de mondes en apparence effacés. D’autres dessins de même format dessinés énergiquement livrent le même message de vie oubliée. Très esthétisante mais somptueusement utilisée dans les années 70 sur des voiles de nylon par Rauchenberg (Hoatfrost series), les possibilités expressives de la technique du report à l’aide de solvants ne sont pas amoindries par Félix Rodriguez-Sol qui en tire de son coté des dessins d’un graphisme de palimpseste. Maitrisant parfaitement le procédé, il parvient à donner dans ses dessins l’impression qu’ils sont des sortes de notes visuelles pour un décor de théâtre ou d’opéra imaginaire. Le grain et la finesse des images, notamment dans les manières de faire vibrer la surface des feuilles se métaphorisent presque naturellement en paraissant la peau et la chair d’une comédie humaine.

L’art de Cécile Hadj-Hassan chemine entre sculpture, installation et performance, photographie et vidéo. Pour questionner le thème de la mémoire, elle nourrit son travail de paysages et de formes réelles et imaginées, arpente librement l’histoire partielle ou marquée de souvenirs qu’on devine personnels. Alors pas de valeurs esthétiques plastiquement préétablies, quand une œuvre est présentée, c’est encore de recherche qu’il s’agit. Mais elle est artiste, et elle sait pouvoir faire dériver ses pratiques, voir les construire dans la dérive même… Alors les limites tombent : l’œuvre intitulée « Mémo » peut à la fois être une suite de montages photographiques où les sujets s’entremêlent et en même temps être sur les murs de la galerie une installation subtile, invitant à recomposer en rêve une demeure ou bâtir un mur de mémoire. Ce peut être ce film intitulé « Filer » dans lequel elle se met en scène parcourant et filant un bâton de laine blanc dans un paysage enneigé. Ce peut encore supposer une autre fiction tournée en vidéo où dans une forêt elle se filme courant dans une forêt pour tenter d’échapper à un traqueur imaginaire, et ça s’appelle « Traque »… Ce peut-être ce fil d’ariane qui, après une précédente exposition où Cécile Hadj-Hassan s’était faite remarquer par une sculpture-installation d’un intimisme magnifique et formellement paradoxal (intitulée : Grégaire). J’avais l’intuition que potentiellement, son attirance pour les fictions pouvait se clarifier dans la création cinématographique.

Je l’ai dit, toutes les œuvres présentées ne sont pas aussi abouties chez les deux artistes. Et c’est banal. Reste la créativité de deux sincérités indéniables qui boustent les pratiques dans le sens d’une autonomie de l’idée d’art et de ses suites. Reste à voir cette exposition d’abord pour ses réussites et, pour mémoire, justement, ses promesses.

* Openbach, 12 rue Jean Sébastien Bach, 75013. Métro Nationale.

Pierre Mabille, peintre, dessinateur et poète compose depuis des années des tableaux répétant une silhouette simple faisant signe. Cette forme toujours initiale est composée de deux traits courbes de longueur égale, disposés en miroir pour se croiser et dessiner allusivement une silhouette d’œil en amande. A chaque nouvelle exposition, et contextuellement pour cette nouvelle présentation à la galerie Fournier, l’œil, mobile et plastique, découpe en miroir ses « paysages de la vue » en jouant avec leurs horizons colorés.

Lors d’une précédente présentation dans la même galerie, Pierre Mabille, malicieux,  s’est, permis de proposer qu’on y décèle la figure historique d’une mandorle, le détail d’une plante et sa feuille, un regard de chat vs toute apparence fortuite qui par analogie ou parodie, se prête au jeu des rapprochements.

Cette fois, les tableaux toujours rectangulaires se déclinent seuls ou en réunions. Par rapprochements encore, ils induisent parfois les perspectives d’une étendue d’eau parcourue de reflets et captée sous un soleil esthétique, d’autres fois une frise décorative.

Les couleurs, teintes et nuances mobilisées, pullulent et incitent à cligner des yeux. L’artiste évoque des voyages, des rencontres artistiques amoureuses, mémorielles aussi. Il dialogue avec Claude Monet, Henri Matisse, Pierre Bonnard, les fait dialoguer dans des proximités réelles et cependant discutables entre touche directe et accords de couleurs, dialectiques entre impression fugace et construction méthodique, relevé ponctuel et architecture raisonnée, surprenante et calculée, multidirectionnelle, toujours ultra sensible à ce que la couleur peut dire. Le regard que son usage de l’œil symbolise se laisse le plus souvent guider par la lumière, laquelle est subtile par ses reflets en nuances, poétique par ses voiles rasants, lumière teintée dont on comprend avec Bonnard, justement, qu’elle peut aussi être  joyeusement intérieure.

Parfois limité à un dessin ou traité comme une surface pouvant être vide ou pleine, l’œil, tantôt seul ou démultiplié à l’infini, fugace ou perplexe, assuré ou mémoriel, en même temps toujours frontal et allusivement ouvert, s’impose conceptuellement comme index. Comme un personnage fictif, l’artiste l’embarque dans des jeux de rôles, y voit un acteur peaufinant sans cesse son rôle de composition. Simultanément, conçu comme une esquisse ou une proposition de distance l’artiste le fait alors tantôt surgir à l’occasion d’une découpe surprise ou le fait agir comme une pure apparition émergée d’un changement chromatique imprévu.

Les tableaux et les dessins se suivent sans que le travail de l’artiste s’épuise, occupé qu’il est de questionner sans fausse simplicité mais opiniâtrement ce que peindre engage. Il s’efforce de présumer pour mieux concevoir, creuser pour plus approfondir, interpeller pour davantage faire dialoguer, déranger sa pratique et l’exposer à ses incertitudes. On le sent revenir sur des premiers pas, ouvrir l’œil (précisément) sur ses référents quand ils figent. Les toiles et les dessins s’accumulent, se revisitant constamment ; le peintre, on le sent, les dispute, cherche la décision qui indique que peindre reste un enjeu. Quand un succès est accidentel, reste l’œil.

Seuls ou à plusieurs, les tableaux exercent depuis les cimaises une fascination pour les jeux imprévus entre présence et absence. Fluide entre les formes vides et/ou ou pleines, le regard, réduit à sa matrice en amande, tantôt là, tantôt purement subliminal est une présence virtuelle, parfois fictive. Dessiné comme Matisse découpait dans la couleur, il est placé dans les compositions pour que ces dernières brillent d’une irrégularité ondulante. Avec chaque rectangle de toile, tout devient à la fois visible et invisible, seulement distinct par nuances. Les lignes mutent en vagues, divaguent de pleins en vides, les silhouettes flottent, cocasses et joueuses au milieu des couleurs.

« Il n’y a strictement rien » dit d’une réaction hostile un amateur d’art à Franz Kline lors du vernissage d’une exposition de Barnett Newman en 1990. En l’invitant à être sensible à la finesse des incidences de la coloration sur la perception des formes dans l’espace par Newman, la réponse pleine de lucidité et d’ironie de Kline fut cinglante. Il est dans cette perspective aussi vrai que la peinture de Pierre Mabille assume d’être en apparence facile. Rien n’empêche en effet chacune de ses compositions de paraître plate. Et pourtant, à bien des égards, l’œil indiciel et la métaphore d’un regard symbolique aidant, elles sont par ailleurs dans une relative troisième dimension. Voire une quatrième si le temps de cette perception peut (et devrait) pouvoir être reconnue au travail subtil du peintre.

Sur chaque toile seule ou dépendante, les motifs sont donc composés avec leur subjectile. Même si on s’attarde à vouloir les dissocier, faire que l’un exclut symboliquement l’autre, qu’un motif s’isole, le mélange reste et chaque solution forme une fusion originale. Aussi subtilement, avec l’usage répété au hasard des silhouettes de son module, Pierre Mabille raréfie au détour la fonction théorique de son travail. Il la rend rare du fait même de confronter les silhouettes en regard à l’inutilité légitime du décoratif. Il s’agit d’un point de vue assumé sur le pattern et l’ordre réputé guider des accords purement visuels. Me reste et résonne en moi sa fascination troublante pour certains courants fonctionnalistes du travail pictural des années 70, fascination qui, chez Pierre Mabille, dit un plaisir de peindre en profondeur avec une voix théorique à mon sens mieux critique parce justement partagée avec la spontanéité naturelle et heureuse de Pierre Bonnard.

Parlons in fine de musique, parlons jazz. L’humour et l’humanité actionnent, je le pense, cette peinture aussi très musicale. Comme dans le free jazz, ou, dans une autre mesure, avec la musique répétitive de Phillip Glass, l’accident, le hasard des déphasages créatifs, les interventions impromptues y tiennent source d’inspiration et justes accords à mesure des vagabondages ponctuels. Et tout fait forme. Et tout s’irise d’harmonies chromatiques. Et rien ne se fige. Pièce simplement musicale ou fugue, symphonie ou composition acoustique, chaque peinture raconte ses résonnances. L’œil, quelle que soit son ouverture, en amande ou de face, contemplative comme un regard méditatif, entend plus que des points de vue, il se balade en cheminant. 

« Wish you were here »

Des compositions fondées sur les surprises d’une matière colorée qui coule et se disperse toute seule dans un trop plein de diluant, ou dont le support de cire, en se mettant à fondre, entraine et disperse dans des courants et des torsions incontrôlables tout ce qui semblait faire forme. Les thèmes peuvent changer d’une toile à l’autre, séduire plus ici que là, éventuellement distraire ou enthousiasmer aux grés de reprises de tableaux anciens appropriés ou d’allusion à des artistes à l’onirisme polychrome, ça sent partout le « procédé à tout faire », le truc pour plaire à frais comptés. Que peut-on dire de plus d’une série de tableaux dont le fond est leur illusion ? Pourquoi pas, mais s’approprier un sujet pour un tableau ou plus sérieusement peindre peut-il se borner à ça ?

« Hors saison »

Des toiles « grands format », presque toutes carrées, de diverses harmonies de faux camaïeux répandus jusqu’aux limites des supports, comme des peintures all over ou comme des pattern. Il est dit qu’elles sont inspirées par l’impressionnisme, qu’elles en reprennent à la fois le fond et en grande partie la forme. D’autres peintures, plus petites, travaillées pareillement. Parfois, l’idée répétée d’une touche régulière de la taille d’une brosse, ou la dispersion gestuelle de traces colorées semble chercher d’autres profondeurs…

Très esthétisant, l’ensemble annone les poncifs d’un impressionnisme atmosphérique, cantonné aux effets sans concept d’une proximité avec l’œuvre et la technique de Claude Monet, limités à leurs poncifs. C’est plus joli que beau, agréable comme un tableau inintéressant.